Dans i sovjetisk kultur: mellom ideologi, form og frihet

Dans i Sovjetunionen representerer et unik fenomen som eksisterte i et spennet felt mellom statlig ordre, kunstnerisk søken og folketradisjon. Det var ikke bare en kunstform, men også et kraftfullt ideologisk verktøy, et middel til å oppdra "den nye mennesken", et symbol på nasjonens kollektive kropp. Dens utvikling reflekterer alle motsetninger og etapper av sovjetisk historie.

Revolutionær avantgarde-epoken (1920-årene)

I de første etterrevolusjonære årene ble dans en laboratorium for radikale eksperimenter. Ballettmestere som var inspirert av ideene om "massedeltakelse", forsøkte å skape nytt, kollektivt kunst. Isaak Dunajevskij og Viktorina Kriger satte opp "maskintanter" og gymnastikkparader, mens Kassian Golijozovskij vågde eksperimentere med kroppslighet og koreografi i Kammerballet, undersøkende kroppslig frihet. Disse forsøkene ble imidlertid raskt anerkjent som "borgerlig formalisme".

Utviklingen av sosialistisk realisme (1930-1950-årene)

Med styrkingen av Stalins regime ble dans tatt under streng ideologisk kontroll. Ballett ble til en offisiell, monumental form. Kanoniske ble forestillinger konstruert etter prinsippet om "ufeilbarhet" og heroisk patos: "Rød gladiolus" (1927, senere "Rød blomst") av Reinhold Glières — den første "sovjetiske balletten" på moderne tema, "Flammer i Paris" (1932) og "Bachtsjasskij fontan" (1934) med deres klare dramaturgi og teknisk upåklagelig, men manglende psykologisk dybde.

Parallelt med dette skjedde institusjonaliseringen av folketradisjonell dans. I 1937 ble Sovjetunionens folkeballett opprettet under ledelse av Igor Moiseev. Hans genialitet lå i at han transformerte autentiske folkebevegelser til glimrende, polerte, ideologisk kontrollerte sceniske komposisjoner ("Partisaner", "Tatarskij suite"). Dans ble til et symbol på folkenes vennskap i Sovjetunionen, men var likevel fraværende av den sanne rитуellheten og spontaniteten.

Ørkenen og søken etter ny plastikk (1960-1970-årene)

Stalinens død førte til en relativ frihet. Et ny generasjon av koreografer kom til ballett, som søkte etter psykologisme og aktuelle temaer. Jurij Grigorijevskij skapte monumentale, men dynamiske ballett-epoper som "Spartak" (1968) av Khatsaturjan og "Ivan Groznyj" (1975) av Prokofjev, hvor korpsdans ble en aktiv kraft i historien. Samtidig ble sovjetisk modern dans født — "moderne koreografi". Dens pionerer var Kassian Golijozovskij (igjen tilbake i arbeid) og den unge Boris Eifman, whose produksjoner ("Den galne dagen", "Fuglen") imponerte med uttrykk og uvanlig leksikk, og vekket bekymring hos myndighetene.

En spesiell side ble den daglige og populære dansen. Til musikk av jazz, og senere beat-musikk, danset folk i kulturhus og på ungdomsarrangementer twist, shake, rock'n'roll. Dette var en spontan, uoffisiell form for frihet, som ble nøye overvåket av Komsomol-vaktene. Samtidig dominerte glitrende duetter på scenen, som Tatjana Leikina og German Makarov, whose numre kombinerte ballettferdigheter med letthet i populærkunst.

Sen sovjetisk periode: undergrunn og begynnelsen av oppløsningen (1980-årene)

Til 1980-årene opplevde den offisielle koreografien, til tross for stjerners internasjonale nivå (Natalia Bessmertnova, Mikhail Baryshnikov, som flyktet til Vesten), en krise. Men den uformelle danseskulturen utviklet seg kraftig. I undergrunnige studioer og på privatarrangementer studerte de jazz-modern, kontempore, kontaktimprovisasjon. I Leningrad skapte Alexander Kukin og hans "Uavhengige gruppe" performativer som var langt fra kanonene. Breakdans, som kom fra Vesten, ble en kulturell sjokk og et symbol på et nytt generasjon, som levde utenfor systemet.

Arv og paradokser

Sovjetisk dans er en paradoksal blanding:

Det høyeste tekniske ferdighetsnivået i klassisk ballettskole, som har dyrket genier, og streng censur av repertoaret.

Det kollektive kroppslige i folkeballett, som feiret enhet, og den individuelle motstanden til dansere av dissident og undergrunnskoreografer.

Den offisielle monumentaliteten og den uoffisielle, levende kroppsligheten i kjøkkenets dans og diskotekene.

I det endelige, ble dans i Sovjetunionen ikke bare kunst, men et slag om retten til kroppens uttrykk — fra det heroiske gestet i Bolsjoj-teatret til frie bevegelser på undergrunnsdiskotekene. Denne indre kampen og dannet dens unike, kraftige og motstridende arv, som fortsatt påvirker koreografisk kunst i post-sovjetisk rom.

Permanent link to this publication: